Врата аниме №1 | Что такое аниме, и почему оно так популярно?

Всем привет! Мы запускаем новый проект. Подкаст "Врата аниме" будет выходить как специальные эпизоды подкаста "Бака", так и абсолютно отдельно, и на него можно будет отдельно подписаться. В этом подкасте я без Ксюши буду рассказывать о вещах, которые полезны новичкам и не только для того, чтобы более осознанно смотреть аниме, чтобы не бояться таких слов, как муэ, сэмпай, разбираться в системе жанров аниме, понимать, откуда аниме берется и почему оно играет такую большую культурную роль не только в Японии, но и во всем мире. Это первый эпизод, так как он выходит одновременно и в "Баке", и отдельно. Не бойтесь, после перебивки я поздороваюсь с вами еще раз.

Всем привет! Меня зовут Эдуард, и вы слушаете подкаст "Врата аниме", в котором я рассказываю обо всем, что нужно знать, чтобы смотреть аниме с удовольствием и не бояться таких слов, как муэ, сёнэн или отаку. В первом выпуске мы начнем с самых основ. Мы поговорим о том, что же вообще такое аниме, чем оно отличается от западных произведений, откуда для него берутся темы и сюжеты и почему вообще все это так важно. Я бы даже назвал этот эпизод прологом или, там, нулевым эпизодом, потому что мы сегодня взглянем на всю картину аниме. Если представить аниме как одно большое полотно, вот мы взглянем на него сверху, далеко-далеко, целиком, чтобы потом в следующих эпизодах понимать, какие конкретные детали этого полотна мы рассматриваем. Даже если вы точно знаете, Что такое аниме и почему оно так популярно? 1993 год. Ксюшей обсуждаю уже не теорию аниме, как здесь, а практику, новые или классические аниме, фильмы и сериалы. Обязательно оцените его по ссылке в описании. Либо же, если вы слушаете этот подкаст уже в фиде "Баки", то не забудьте написать какой-нибудь хороший отзыв и вообще рассказать, как вам новый формат.

Тысяча девятьсот девяносто третий год. В Сербии идет гражданская война. Люди вынуждены бежать из своих домов, соседние страны призывают враждующих к миру, бомбы летят на большие города. В Сараево, один из самых пострадавших городов наносит визит японский режиссер — Тосия Уэно. Проходя по разбомбленному городу, он натыкается на разрушающуюся стену одного из домов. Она состояла из трех панелей. На первой был портрет Мао Цзедуна, вторую украшал слоган радикального движения. А когда Уэно подходит к третьей — то лишается дара речи. На панели красовалась сцена из аниме «Акира». На осыпающейся стене перед группой разрушенных зданий «могучий юный преступник» Канэда произносит «So, it’s begun!» Зачем нам история Уэно? Чтобы развенчать миф об аниме, как о детских мультиках. Дело в том, что вряд ли бы сцену из детского мультфильма нарисовали на стене в воюющей стране, правда? Вряд ли бы обычный детский фильм смог пересечь границы и предстать в форме политического заявления в раздираемой войной европейской стране. Это было бы абсурдно.

Даже если отмотать в самое начало, в 1907 год, когда появилось первое не назвать это аниме, ну, скажем так, да, аниме «Кацудо сясин» — нельзя сказать, что это была детская анимация. В этом маленьком 4-х секундном мультике мальчик рисует иероглифы, означающие «движущиеся фотографии», использующиеся в то время для обозначения слова «кино», затем он поворачивается к зрителю, снимает шляпу и кланяется. Получается такая метаигра, персонаж на экране говорит нам, что он на экране фильма и что этот самый персонаж в курсе, что он это знает. Этот прием, разрушение четвертой стены, конечно, рассчитан скорее на взрослую аудиторию. То есть аниме всегда было и остается очень разнообразным видом искусства. Среди сериалов и фильмов, конечно, можно найти те, что предназначены для детей. Но огромный пласт аниме — это контент для подростков и взрослых. Сегодня анимация — это основной продукт японских киностудий. В год в Японии производится под сотню сериалов и еще с десяток полнометражных фильмов. А около половины всех продаж кинотеатров приходится на аниме. В то время, как в нашей массовой культуре все смотрят сериалы и голливудские фильмы, в Японии — так смотрят аниме. В следующих эпизодах мы с вами разберемся в жанрах аниме.

Но что такое это аниме?. Когда мы говорим «аниме» — мы можем иметь ввиду несколько вещей: анимацию, сделанную в Японии или анимацию в определенном визуальном стиле. Вообще слово аниме используется японцами для любых мультфильмов, даже Диснеевских. Но когда этот термин проник сперва в английский, а потом и в русский язык — у него появилось свое собственное определенное особенное значение. Но и оно тоже стало со временем меняться. Если раньше аниме было исключительно анимацией сделанной на Японских островах, то сейчас такое определение кажется уже устаревшим. Многие японские студии прибегают к сторонней помощи — это может быть работа с 3D-графикой, или дешевые рабочие руки из Китая или Кореи. или статические картинки. В то же время, многие западные студии приглашают японских режиссеров и аниматоров делать совместные проекты за пределами Японии, которые стороннему зрителю, конечно, покажутся аниме. Например, в уже классической антологии «Аниматрица» перемешаны полностью японские аниме и произведенные совместно с аниматорами из США. И отличить их друг от друга — не так уж просто.

Или широко известный мультфильм «Аватар: легенда об Аанге». Полностью западный сериал, который явно вдохновлялся аниме — и восточной культурой, и в результате его часто тоже за него принимают. Поэтому сейчас все больше под этот термин прячут не только исконно японские произведения, но также просто стилистически близкие сериалы и фильмы, особенно, если в работе над ними принимали участия сами японцы. Но тогда следующий вопрос что значит стилистически близкие? Если аниме — это анимация не только из Японии, то как понять, что перед нами именно оно? Попробуем выделить несколько отличительных черт аниме. От печальных событий в Сербии мы двинемся назад во времени, к другим — даже более печальным событиям Второй мировой войны. В 1944 году шестнадцатилетнего парня по имени Осаму мобилизовали — к счастью, не на войну, а на производство шифера.

Спустя год Япония потерпела поражение в войне, а два города, Хиросима и Нагасаки были практически стерты с лица земли. Следующие пятнадцать лет Япония потратила на восстановление своей экономики — и своей культуры. На протяжении всех этих лет США поставляла на острова не только материальную помощь, но и контент. Фильмы, сериалы, мультики. Молодой Осаму, поступивший в медицинский университет, с удовольствием вдохновлялся всем этим. Особенно ему нравились мультфильмы. самому заниматься мультфильмами. Но в послевоенной Японии не было ни анимационных студий, ни перспектив стать успешным режиссером. Поэтому Осаму, несмотря на успешное окончание вуза, решил попробовать себя в роли мангаки. Он комиксы. Мы о них поговорим еще сегодня. Осаму прибавил себе пару лет в документах и уехал из Осаки в столицу, Токио. Довольно быстро Осаму стал популярным автором, особенно среди молодежи и детей. Он рисовал оригинальные работы, но зачастую и просто переносил те самые американские мультики, вроде Бемби или Пиннокио в формат манги.

Впрочем, ему это не очень нравилось. Это было уже начало 60-х, в домах обычных граждан начинают массово появляться черно-белые телевизоры. Вместе с ними туда проникали все те же американские сериалы и мультики — и они были гораздо популярнее произведенных в Японии аниме. Желая исправить эту ситуацию, Осаму основал собственную анимационную студию — Mushi. Она стала одной из немногих тогда студий аниме.в ряду тех, которые тогда появлялись. Несмотря на возрождающуюся экономику, денег на создание аниме — было не так много. Это был невыгодный бизнес. Аниматорам приходилось идти на хитрости и изощрения, чтобы укладываться в бюджет. И одной из таких хитростей стало уменьшение частоты кадров. Обычно мы видим плавную картинку при 24 кадрах в секунду, то есть двадцать четыре раза за секунду. происходит какое-то изменение, и создается ощущение движения. Именно такой формат сейчас принят в кино. Там, где важна скорость событий и решения от зрителя, как в играх, например, частоту кадров увеличивают — до 30 или даже 60 кадров. Если бы аниме рисовалось с таким количеством кадров — на него не хватило бы ни сил, ни времени, ни денег, особенно в 60-х.Представляете, на одну секунду мультика вам потребовалось бы нарисовать двадцать четыре картинки.

Поэтому в другой передовой на тот момент студии Toei придумали использовать «ключевые сцены». В обычных моментах, когда персонажи говорят или идут, когда показывают общие планы или статичные сцены — частота кадров могла уменьшаться до 12, а то и до 8 в секунду. Приходилось меньше рисовать — а значит, тратить меньше денег. При этом, чтобы аниме все равно смотрелось эффектно, в боевых ярких и захватывающих сценах количество кадров резко возрастало — скажем, до 24 кадров в секунду. Появился эффект сакуга — когда аниматоры выкладываются в определенных моментах, ограниченных временем, э-э-э, на полную и выкручивают качество анимации на максимум. Сейчас, в наши дни, несмотря на то, что денег в индустрии заметно больше, больше стало и выпускаемых сериалов и фильмов. Поэтому стандарт «ключевых сцен» применяется и сейчас.

Большая часть аниме сделана с уменьшенным количеством кадров в секунду, поэтому простому непривыкшему зрителю аниме может казаться дёрганным или странным. Тут Тут, на самом деле, достаточно немного втянуться в просмотр и все это пройдет. мозг сам привыкает к новому формату. При этом моменты сакуги кадров в секунду, после того как ваш мозг привык к новому формату, начинают приносить настоящий восторг.все становится намного более плавным, эффектным, красочным, ярким, быстрым. Иии для мозга этооо очень приятно. Другой же хитростью для экономии бюджета стало как раз то, что ввела уже студия мангаки Осаму — Mushi. Они начали упрощать внешний вида персонажей. В самом популярном раннем аниме, снятом по манге Осаму, Astro Boy, можно заметить, что герои состоят из простых элементов — кругов, прямоугольников, треугольников. Их было проще и быстрее рисовать.считают Астробой первым аниме. Это не совсем так. Да, мы уже говорили, что были другие сериалы и до Астробоя, и другие анимационные произведения, но Астробой действительно произвел, там, большой фурор в Японии, а потом и на Западе. Он выходил в Америке, в том числе. Вернемся к упрощению. Упрощение затронуло не только форму тела, но и лица. Аниматорам нужно было найти способ выражать нужный спектр эмоций с наименьшими затратами сил. Astro Boy стал настолько популярным, что многие называют его первым аниме, хотя это конечно, не так. Но это точно было одним из тех произведений, которое сформировало в итоге тот визуальный стиль аниме, который мы знаем сегодня.

Именно формула мангаки Осаму: большие глаза, через которые можно передать много эмоций, нос в виде одной-двух черточек и контурный рот без прорисовки губ — и стала эталонной для будущих аниматоров. Так что это стало одним из тех произведений, которое сформировало в итоге тот визуальный язык аниме, который мы сегодня знаем. Так, шестнадцатилетний Осаму Тэдзука, трудившийся на производстве шифера, в итоге стал настолько известным мангакой и аниматором, что получил прозвище «Бог манги». Сейчас то, как выглядят персонажи, уже не определяется простыми формами. Одежда в большинстве современных аниме прорисована с большой детализацией, и персонажи выглядят скорее реалистично. движениях, жестах. Не во всем аниме, да, но во многом. Однако лица — остаются в узнаваемом и уже фирменном стиле. Впрочем, исключения тоже бывают — как в сторону упрощения, приближаясь к западным мультикам, так и в сторону усложнения — когда лица и в целом рисовка, становится неотличима от того, как все выглядит в реальном мире. Но что точно можно сказать — так это то, что у Осаму Тэдзуки получилось достичь своей цели. Осаму сделал-таки аниме более популярным на родине, чем любые западные мультики, определив особенности визуального стиля всей индустрии. Вернемся в настоящее время.

В кино уже больше 10 лет создается киновселенная Marvel, человек-паук, мстители, тор, железный человек. Представим, что вы вышли после очередного фильма, из этой линейки, где в сцене после титров дали намек на продолжение с новыми героями. Что делать? Ждать несколько лет, пока выйдет продолжение? Или может быть, можно как-то обхитрить систему и купить комиксы, по которым фильм снят и сразу узнать финал? Вы решаете поступить умно, идете в книжный или магазин комиксов и просите продолжение фильма. Продавец в ответ вам предлагает в лучшем случае пять разных вариантов сюжетов про Человека-паука, а в худшем — чешет в недоумении затылок. Все потому, что у истории героев Marvel нет как такого автора. Персонажа придумывает один автор, как Стен Ли придумал Человека-паука, но истории про него могут писать и другие авторы из студии. Получается, что у историй нет одного начала и одного конца. Каждый комикс-автор по-новому смотрит на знакомых героев и пишет о них разные истории, которые никак нельзя сложить в цельный один сюжет. Даже в той же киновселенной Marvel уже несколько Человеков-пауков. Такой подход дает возможность бесконечно плодить истории об одних и тех персонажах, и даже повторять одни и те же истории. каким-нибудь новым антуражем. Но при этом Становится непонятно, откуда начинать читать про Паука и где заканчивать. В аниме все не так.

В аниме «Наруто» семь сотен серий, больше, чем у любого мультфильма про Человека-паука. Даже если все мультфильмы про Человека-паука. Однако, по сравнению с Пауком, у этой серии есть ровно одно начало, один конец и один изначальный автор — Масаси Кисимото — который и придумал, а позже и нарисовал эту историю. Именно нарисовал, потому что как и для многих других аниме, для «Наруто» основой послужила манга — японские комиксы. Чаще всего они черно-белые и читаются с права на лево. Именно в особенностях индустрии манги и близкой к ней индустрии подростковых романов с картинками, ранобэ, лежит корень популярности аниме. Японцы обожают мангу и ранобэ, по разным оценкам до 95% населения регулярно покупают тома манги или специализированные журналы. Это массовый продукт, тиражи которого даже не снились книгам в России или Европе. И структура этой индустрии сделана так, чтобы создавать как можно больше оригинальных продуктов. для разной аудитории. Давайте посчитаем количество фильтров, которые нужно пройти, чтобы вашу мангу экранизировали.

Чтобы вашу мангу опубликовали, сперва вы должны выиграть со своим произведением какой-нибудь конкурс для начинающих (первый фильтр). После этого вас могут позвать в толстый журнал и попросить нарисовать новую работу. Если она понравится редакторам (второй фильтр) — она попадет в 100, а то и 200 страничный еженедельный или ежемесячный журнал, в один ряд с другими произведениями, зачастую более популярными и известными. Если ваша манга каким-то образом выделится и понравится читателям (третий фильтр), вас попросят написать продолжение. Наконец, если вы сможете вывезти 18-ти часовой рабочий график регулярной публикации новых глав и не скатитесь ни по истории, ни по рисовке в результате (четвертый фильтр) — вашу мангу опубликуют в виде толстых книжек — танкобонов. Они похожи на наши книги с мягкой обложкой по формату. Наконец, на пятом фильтре, вас из всей выходящей манги, должны заметить студии. И предложит экранизировать вашу историю. Итого, вам нужно пройти шесть очень жестких фильтров, вашу работу проверяют редакторы, а где-то именнооо зрительских, да, читательских фильтров, чтобы ваша история превратилась в аниме. Как экспертных, так и зрительских. И ведь еще совсем не факт, что аниме по вашей манге станет успешным, как «Наруто».

Этот процесс отбора идет постоянно. При этом если вы провалились со своей историей, никто не станет продолжать ее за вас или брать ваших героев. Индустрия рванет дальше, оставив их позади. Таким образом, позволить себе спинофы, приквелы, продолжения или ребуты в манге могут позволить себе единицы уже устоявшихся авторов. И поэтому для аниме-индустрии они безумная редкость.есть продолжение Боруто, про детей, но оно такой большой популярностью, кажется, не пользуется. Никто не станет читать журнал, где все истории похожи друг на друга, правильно? Большие или экспериментальные студии могут себе позволить исключения. из этой структуры. Самые известные аниматоры: Макото Синкай, Хая Миядзаки, Сатоси Кон — зачастую создают аниме по своим собственным сценариям. И это делает их произведения еще более оригинальными и особенными. В то время, как Голливуд живет на ностальгии по старому кино и вновь, и вновь его воспроизводит, манга, а вместе с ней и аниме постоянно ищут новые темы и язык — чтобы захватить нового зрителя и читателя и выделиться на фоне других работ.бесконечный поиск, и Этот бесконечный поиск и делает аниме таким оригинальным искусством, у которого потом Нолан, сестры Вачовски, и другие голливудские режиссеры перенимают идеи для своего кино.

Давайте закрепим в одном предложении. Аниме — это японская и не только анимация, сделанная в определенном визуальном стиле, яркими чертами которого является уменьшенное количество кадров и определенная выразительная отрисовка лиц. Чаще всего аниме основано на манге (японских комиксах) или ранобэ (японских иллюстрированных романах), что впрочем не исключает и авторских работ. Аниме — ни в коем случае не детские мультики (или лучше сказать, далеко не только детские мультики). И аниме служит вдохновением для множества людей по всему миру.аниме" мы как раз попробуем разобрать, как аниме это делает и какие инструменты использует для того, чтобы рассказывать классные истории и для того, чтобы вдохновлять множество людей. Я хочу попросить вас оставить отзыв этому подкасту в том приложении, где вы его слушаете. Это очень помогает другим людям найти его и также глубже погрузиться в аниме-индустрию. Ну, и мне приятно тоже будет. В описании этого выпуска есть также ссылка на наш чат подкастов Бака и Врата аниме, где можно рассказать мне лично, в каких моментах этой истории я ошибся, про что рассказал не так или про что вообще забыл и как это все следовало сделать. Это будет тоже очень полезно. На этом все. На сегодня, по крайней мере. Смотрите аниме и делайте мир лучше. Пока.